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Temporada OCTUBRE-DICIEMBRE 2011
TEMPORADA OCTUBRE-DICIEMBRE 2011 · 26 espectáculos diferentes conforman la programación del Teatro Gayarre del último trimestre del presente año.
· Concha Velasco, José María Pou, Jo Stromgren, Claudio Tolcachir, Natalia Dicenta, Miguel Rellán, Roy Hargrove, Emilio Gutiérrez Caba, Carmelo Gómez, Javier Gutiérrez, Andrés Lima o Ute Lemper son algunos de los nombres propios que encabezan los carteles de los diferentes espectáculos de la temporada, espectáculos firmados todos ellos por grandes autores y elencos, desde José Zorrilla a Peter Quilter pasando por el propio Tocachir o compañías como la argentina Timbre 4 o el Teatro Licedei de San Petersburgo.
El Teatro Gayarre ofrece en su nueva temporada Octubre/Diciembre 2011 una programación en la que se dan cita un buen número de los actores más destacados del momento junto a obras firmadas por grandes dramaturgos de todas las épocas como José Zorrilla, Peter Quilter, Hamilton Deane o Ingvar Ambjornsen, entre otros. Pasarán por el escenario del Teatro Gayarre un abanico de intérpretes que van desde Concha Velasco a Carmelo Gómez, pasando por Natalia Dicenta, Miguel Rellán, Emilio Gutiérrez Caba o Javier Gutiérrez. Además del teatro, la música y la danza ocupan un destacado capítulo con la presencia de la alemana Ute Lemper, el barítono Federico Gallar o formaciones como la Zurich Chamber Orchestra, Il Fondamento o el neoyorquino Roy Hargrove y su quinteto de Jazz. Como es habitual habrá un espacio propio para las actividades infantiles navideñas con títulos tan conocidos como “Pinocho” o “Cenicienta”, ambos en versión musical, así como para los dos primeros conciertos del ciclo Grandes Intérpretes y los conciertos extraordinarios de La Pamplonesa
Teatro
El capítulo teatral lo pondrá en marcha Concha Velasco, junto a Xavier Mestres, Tomás Alcaide, Roger Conesa y Xavi Sánchez, intérpretes todos ellos del espectáculo “CONCHA… YO LO QUE QUIERO ES BAILAR” (viernes 7, sábado 8 y domingo 9 de octubre), escrito y dirigido por José María Pou, en el que la actriz habla de su carrera, de sus personajes, de las obras que ha hecho, de sus éxitos y de sus fracasos. Un viaje que va de la artista indiscutible de hoy a la adolescente de sus inicios. La siguiente cita llega de Argentina, de la mano de la compañía Timbre 4 y del autor y director teatral Claudio Tocachir. Después de éxitos como “La omisión de la familia Coleman” o “Tercer cuerpo” llega ahora la tercera entrega de esta serie, “EL VIENTO EN UN VIOLÍN” (sábado 29 de octubre). Si las dos obras precedentes nos introducían en una familia alocada (“La omisión de la familia Coleman”) o una oficina pérdida en el tiempo y habitada por seres perdidos (“Tercer cuerpo”), ahora con “El viento en un violín”, Tolcachir explora los recovecos del amor entre madres e hijos. De nuevo, personajes al límite de la mano de un treintañero sobreprotegido por su madre, de una chica con problemas cognitivos y de su pareja.
En la Noche de Difuntos el escenario del Teatro Gayarre acogerá a la obra cumbre de José Zorrilla “DON JUAN TENORIO” (lunes 31 de octubre), en esta ocasión una versión puesta en escena por la compañía Teatro del Temple en la que se respeta la esencia del texto, en la que las espadas son navajas, en la que se abandona la esclavitud del verso y en la que los personajes tienen la estética discotequera de los años setenta. Un “Don Juan Tenorio” hecho desde la contemporaneidad y la ambientación de esa época.
El siguiente elenco que pisará el escenario del Teatro Gayarre estará encabezado por Natalia Dicenta, quien da vida a Judy Garland en la obra de Peter Quilter “AL FINAL DEL ARCOÍRIS” (viernes 4 de noviembre), un espectáculo con música y canciones en directo tan conocidas como “Get Happy”, “Come Rain or Come Shine”, “The Trolley Song”, o ”Somewhere Over the Rainbow”, que narra la última etapa, la del declive artístico, de Judy Garland. Una semana después, la compañía de clown Teatro Licedei de San Petersburgo regresará a Pamplona de nuevo con su espectáculo “SEMIANYKI” (viernes 11 de noviembre), un trabajo que ha sido definido como el homenaje más bello dado al mundo de los payasos. Locura poética, furia creativa, humor corrosivo… y todo sin palabras.
La penúltima cita teatral de la temporada llega con un cartel encabezado por Emilio Gutiérrez Caba y Amparo Climent, intérpretes que dan vida a dos los personajes protagonistas de “DRÁCULA” (viernes 18 y sábado 19), una adaptación teatral de Hamilton Deane y John L. Balderston de la novela del mismo título. Un texto clásico en el que, además, hay un espacio para unos efectos especiales que llegan de la mano del mago Yunke.
Cerrará la temporada la obra del noruego Ingvar Ambjornsen “ELLING Y JARNE” (viernes 25 y sábado 26 de noviembre), un duelo interpretativo entre Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez, dirigido por Andrés Lima, en el que los actores se meten en la piel de una pareja recluida durante años en un sanatorio psiquiátrico con la única enfermedad de no ser capaces de adaptarse a la vida en sociedad.
Danza y música
El espacio reservado a la danza y a la música lo pondrá en marcha la compañía noruega de teatro/danza Jo Stromgren Kompani con el espectáculo “THE SOCIETY” (martes 11 de octubre), un trabajo escrito, dirigido, coreografiado y estenografiado por el propio Jo Stromgren. Este montaje muestra una manera diferente de entender la danza, el teatro y el humor. Deliciosamente intensa y divertida, ayuda a comprender la globalidad social y el carácter universal del lenguaje. “The Society” es la representación de la sociedad, la de cualquier sociedad. No importa el lenguaje, se parte de un planteamiento metafórico en el que tres bebedores empedernidos de café encarnan al conjunto de ciudadanos y a sus costumbres.
La siguiente cita con la danza llega de la mano del espectáculo “AXURI BELTZA” (sábado 5 de noviembre) en el que, dirigidos y coreografiados por Juan A. Urbeltz, los grupos de danza Argia, Kezka, Haritz y Duguna reúnen en el escenario hasta 80 bailarines que rinden homenaje a una pieza de muchachas titulada “Eaurtako neska dantza”, cuya letra se iniciaba con “Axuri beltza”, tema que ahora cumple su cuarenta aniversario.
En el capítulo musical, la programación octubre/diciembre 2011 acoge tres acontecimientos de géneros diferentes. Por una parte se abre un hueco al jazz con la presencia del ROY HARGROVE QUINTET (sábado 12 de diciembre), una de las formaciones más activas en la actualidad en los escenarios neoyorquinos. Por otra parte también estará presente la lírica con el CONCIERTO DE NAVIDAD (jueves 15 de diciembre). La velada estará a cargo del barítono Federico Gallar y el tenor Israel Lozano, acompañados al piano por Juan Antonio Álvarez Parejo. Temas de zarzuela, napolitanas, dúos de ópera, romanzas y villancicos centrarán el programa de esta cita. Por último, UTE LEMPER (viernes 16 de diciembre), la gran diva del cabaret berlinés regresará de nuevo al Teatro Gayarre, tras sus éxitos en Broadway, París o Londres, con sus temas preferidos sacados del repertorio de Edith Piaf, Kurt Weill o Bertolt Brecht.
Actividades infantiles: Teatro en Familia en Navidad
La programación de este último trimestre del año hace un hueco especial, dentro de las actividades infantiles, a la Navidad con el programa Teatro en Familia en Navidad, espectáculos todos ellos dirigidos al público familiar. En total son ocho los títulos que conforman este bloque que abrirá la agrupación Ópera de Cámara de Navarra con el estreno absoluto de la ópera infantil “TOYSHOP, EL MUNDO MÁGICO DE LOS MUÑECOS” (viernes 23 y lunes 26 de diciembre). A esta le seguirán “ENAMORIRSE” de la compañía PTV Clowns (martes 27 de diciembre), “TORTUGA, LA ISLA DE TEODORO” de La Pera Limonera (miércoles 28 de diciembre), “PINOCHO” de Roseland Musical (jueves 29 de diciembre) y “CENICIENTA, EL MUSICAL” de Tempus Producciones (viernes 30 de diciembre).
Los espectáculos programados dentro de este Teatro en Familia en Navidad se extienden a las primeras fechas de enero con tres espectáculos en euskera: “OGRO TXIKIA” (lunes 2 de enero), “JULIO VERNEREN ABENTURA” (martes 3 de enero), ambas de Gorakada Teatroa, y por último la compañía navarra Pasadas las Cuatro pondrá el punto y final con el montaje musical “EHUNZANGO BATEN IPUINAK: BATZUK ZEHARREZ DOAZ, BESTEAK ALDREBES” (miércoles 4 de enero).
Grandes Intérpretes y La Pamplonesa
La nueva temporada acoge también el inicio de dos ciclos musicales: Grandes Intérpretes y los Conciertos Extraordinarios de la Banda Municipal de Música La Pamplonesa. El primero, Grandes Intérpretes, desarrollará en estas fechas dos de sus conciertos, el primero de ellos a cargo de la ZURICH CHAMBER ORCHESTRA (lunes 24 de octubre), con Bach y Mozart en su programa, y el segundo a cargo de IL FONDAMENTO (sábado 17 de diciembre) dedicado íntegramente a “El Mesías”. Asimismo, dentro de las actividades gratuitas incluidas en este ciclo, se exhibirá “LISZTOMANÍA, LA FIEBRE DE LISZT” (martes 15 de noviembre), un concierto dramatizado escrito y dirigido por Miguel Munárriz e interpretado por el barítono Iñaki Fresán, la actriz Marta Juániz y la pianista Adela Martín.
En cuanto al ciclo de conciertos extraordinarios de la Banda Municipal de Música La Pamplonesa, serán tres las citas: HOMENAJE A JESÚS GURIDI (domingo 2 de octubre), ANTOLOGÍA DE LA ZARZUELA (martes 29 de noviembre) y el CONCIERTO DE NAVIDAD (domingo 18 de diciembre).
Otras actividades
Por último, dentro del capítulo de Otras Actividades, la temporada Octubre/Diciembre 2011 acoge la convocatoria de una SELECCIÓN DE TEXTOS TEATRALES SOBRE LAS FIESTAS DE SAN FERMÍN, cuyas bases pueden consultarse tanto en el folleto correspondiente al trimestre como en la página web del teatro (www.teatrogayarre.com), y una exposición en el vestíbulo del teatro de la artista ANA IBÁÑEZ con parte de su obra agrupada bajo el título genérico de “Refugios íntimos”.
VERANEANTES
MARTES 31 DE MAYO. 8 TARDE
Gorki fija su mirada sobre un grupo humano que se dispone a “disfrutar” del veraneo. Ese lapso estival que aparca las obligaciones, relaja las costumbres y deja suficiente tiempo libre para que nuestro pensamiento frecuente lugares que las prisas diarias mantienen apartados. Un lugar peligroso al parecer de Montaigne
La Abadía se une con esta función al equipo de La función por hacer, esa "versión más que libre" de Seis personajes en busca de un autor, para recrear la obra maestra de Gorki, transponiéndola de la Rusia de primeros del siglo XX a nuestra España de comienzos del XXI. ¿Cómo puede ser que durante todo el año vivamos absorbidos por nuestro trabajo, incapaces de llevar con plenitud nuestra vida afectiva, y que de pronto en verano nos juntemos llenos de ansiedad por disfrutar al máximo? En esta reescritura de Miguel del Arco, como en el original de Gorki, vemos a un grupo de veraneantes que por una parte desea un cambio vital y social y, por otra, lo teme. Mientras tanto, velarán por que nada les amargue el aire festivo.
GORKI
Gorki escribió Veraneantes en 1904 para ser estrenado en el Teatro de Arte de Moscú (aunque luego fue desestimada y estrenada con gran éxito fuera de él). Como apunta Stanislavski en “Mi vida en el arte” el momento histórico de Rusia era una caldo de cultivo: “La fermentación revolucionaria, y la misma Revolución que se avecinaba, trajeron al teatro toda una serie de piezas que reflejaban los ánimos que imperaban en la sociedad, el descontento, las protestas y las ensoñaciones del héroe que es capaz de decir la verdad valientemente.”
Adaptación y dirección: Miguel del Arco
Intérpretes: Ernesto Arias, Israel Elejalde, Miquel Fernández, Elisabet Gelabert, Bárbara Lennie, Miriam Montilla, Chema Muñoz, Lidia Otón, Manuela Paso, Raul Prieto, Cristóbal Suárez.
Maestro Musical: Arnau Vilá
Escenografía: Eduardo Moreno
Diseño de iluminación: Juanjo Llorens
Diseño de sonido: Sandra Vicente
Diseño de vestuario: Ana López
Una producción de Teatro de La Abadía y Kamikaze producciones.
ALFREDO SANZOL, LA TRILOGÍA
SI, PERO NO LO SOY 19 mayo jueves 8 tarde
DÍAS ESTUPENDOS 20 mayo viernes 8 tarde
“La manera de reírnos de nosotros mismos, y de los demás creo que constituye, más que otra cosa, los parámetros de lo que somos. Me dice el público que en mis obras hay muchos momentos en los que no saben si reírse o no, y me gustaría decir aquí que a mí me pasa lo mismo: Es la pregunta que sigue siendo el motor de mi trabajo”.
Alfredo Sanzol
Cuento las historias para inventar los hechos que no recuerdo, y para contar me sirvo de las sensaciones que sí guardo". Parece una carta cervantina al duque de Lemos, pero es de Alfredo Sanzol, una de las mejores cosas que le están pasando al teatro español.
Marcos Ordóñez (El País)
El autor y director navarro Alfredo Sanzol regresa al escenario del Teatro Gayarre, en esta ocasión con su trilogía compuesta por “Risas y seducción”, “Si, pero no lo soy”, y “Días estupendos”. Se cierra así un triángulo al que le faltaba la primera obra de esta serie, que ahora se ofrece al completo, una trilogía que responde a siete años de trabajo. "En estos años –asegura Sanzol- he sentido la necesidad de comunicarme con la infancia, con recuerdos y sensaciones que tenía sin solucionar y, muchas veces, inventar historias te sirve para solucionar historias". El autor ha escogido una estructura a base de sketches porque, a su juicio, los giros bruscos o imprevistos se corresponden a como funciona la memoria en realidad: "Son flashes con los que trato de despertar emociones".
Dice Alfredo Sanzol que como nos pone tan nerviosos ver que cambiamos, y mucho más a quienes nos rodean, hay quienes en vez de “fluir” acaban viviendo como los demás imaginan que son por no dar las explicaciones necesarias en los momentos precisos. Y en tales brechas crecen y se multiplican mentiras, secretos, frustraciones, hipocresías, miedos, traiciones, engaños, equívocos, nostalgias. Con estos materiales dramáticos ha construido una trilogía sobre la “identidad fragmentada” –Risas y destrucción (2004), Sí, pero no lo soy (2008) y Días estupendos (2010)– que a él le ha servido sobre todo como “vía de conocimiento” y a la crítica, para señalarlo como una de las mejores cosas que le ha pasado al teatro español reciente.
RISAS Y DESTRUCCIÓN
Una vez estrenada “Risas y destrucción” Alfredo Sanzol descubrió que estaba hablando de la identidad. Descubrió que el problema que ponía sobre la mesa para jugar era el de la identidad, y casualmente, o no, la función acababa con un diálogo entre dos personajes que decía: “Si hubieses sido un perro habríamos sido muy felices” y el otro personaje contestaba: “Sí, pero no lo soy”. Cuando veía la función –asegura el autor- me hacía gracia ese momento. Me resultaba terrible desear que una persona fuese un perro, pero al mismo tiempo lo creía real. La gran tragedia de desear que los demás sean como nosotros queremos y no aceptar como son se presentaba como un problema que descubrí propio.
“SÍ, PERO NO LO SOY”
Sí, pero no lo soy es una historia de historias. Una historia formada por varias historias que protagonizan personajes que intentan saber quiénes son y quiénes son los demás. Sí, pero no lo soy es una historia de la personalidad fragmentada, de la saturación del yo, una historia del intento de conseguir algo que parece imposible: saber quiénes somos y saber quiénes son los demás.
Sí, pero no lo soy nace de la necesidad de reflexionar sobre una paradoja: la sociedad nos exige una identidad, nosotros exigimos a los demás una identidad, y nos la exigimos a nosotros mismos, pero la experiencia nos demuestra que no existe la identidad, que la personalidad es algo mutable y en constante movimiento, algo que no puede fijarse en el tiempo y en el espacio. A lo largo de una vida una persona es muchas personas, sin embargo no aceptamos esa realidad. Nos resistimos a aceptar la mutabilidad en nosotros, y en los demás. Esta resistencia produce monstruos, máscaras, hipocresías, mentiras, frustraciones, secretos, nostalgias… Un material humano que da vida a casi cincuenta personajes
“DÍAS ESTUPENDOS”
“Días Estupendos” es una historia del verano… La aparente frivolidad de veraneo esconde nuestras fantasías, nuestros miedos, nuestros sueños y las pequeñas aventuras y encuentros que vivimos muchas veces son el origen de los grandes giros sobre los que construimos nuestra vida. Ese contraste entre lo que en apariencia no es importante y en el fondo sí lo es, forma uno de los hilos que recorre toda la trilogía, y es también la fuente del humor tragicómico con el que trabaja Alfredo Sanzol.
FICHAS ARTÍSTICAS
Risas y destrucción
Intérpretes: Paco Déniz, Elena Gonzalez, Natalia Hernández, Juan Antonio Lumbreras, Pablo Vázquez.
Iluminación: Joaquin Yver
Duración: 1h. 35m.
Sí, pero no lo soy
Intérpretes: Paco Déniz, Elena Gonzalez, Natalia Hernández, Juan Antonio Lumbreras, Pablo Vázquez.
Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar.
Iluminación: Baltasar Patiño.
Espacio sonoro y música: Fernando Velázquez.
Coreografía: Ricardo Santana y Mónica García.
Duración, 1h. 1om.
Días estupendos.
Intérpretes: Paco Déniz, Elena Gonzalez, Natalia Hernández, Juan Antonio Lumbreras, Pablo Vázquez.
Escenografía y vestuario: Alejandro Andújar
Iluminación: Baltasar Patiño
Diseño de sonido y música original: Fernando Velázquez
Duración: 1h.20m
POLITICAL MOTHER
MIÉRCOLES 1 DE MAYO. 8 tarde“Political mother” bucea en la angustia de vivir a través de movimientos que tienen un elemento animal. El sonido y la luz juegan un papel fundamental en su concepto de la coreografía. El sonido de las guitarras eléctricas y de los tambores logra con los bailarines una impresión fulgurante. Durante 70 minutos, el creador de origen israelí mezcla parejas y estilos musicales en un crisol que ahorma lo rompedor con el clasicismo más reconocible. El diseño del escenario está plagado de sombras y rayos de luz tajante que contribuyen a los movimientos de los danzarines.
“Political mother” está repleta de imágenes impactantes. Un soldado samurái recurre a la clásica inmolación del harakiri mientras resuena el vozarrón de un sátrapa. Las danzas musicales de Verdi son destruidas por la percusión de las marchas militares. Poesía y violencia, delicadeza y amenaza, intensidad y fragilidad... “Political mother” funde esos contrarios en un escenario marcado por la tensión.
“Political mother”fue estrenada en 2010 el Festival de Brighton (Reino Unido). Desde entonces la compañía desarrolla una gira mundial. Sus diez bailarines y sus ocho músicos recorren a lo largo de este año 24 ciudades, en las que destacan escenarios como la Ópera de Sidney, el Theatre de la Ville de París, el LG Arts Centre de Seúl (Corea del Sur) y el Sadler's Wells Theatre de Londres.
HOFESH SHECHTER
Nacido en Israel y asentado en Londres, Hofesh Shechter, que da nombre a la compañía, está considerado como una de las estrellas de la danza del Reino Unido. Tras su paso por la Batsheva Dance Company y la Jasmin Vardimon Dance Company, comenzó a crear sus propias coreografías. El suyo es un vocabulario artístico novedoso en el que bascula entre la intensidad y la delicadeza.
“Political mother” es su primera obra de larga duración. El trabajo de Hofesh Shecter trae el recuerdo de “In your rooms” (En vuestras habitaciones) y “Uprising” (Levantamiento), el díptico con el que deslumbró a muchos aficionados a la danza hace tres años.
REFERENCIAS CLARAS, NO OBVIAS
En este espectáculo las referencias quedan claras sin ser obvias: los tambores castrenses, la subdivisión del grupo en oprimidos y opresores, la recurrencia a la estética fascista de “The Wall” (la película de Pink Floyd), el terror bélico, el desamparo ante la violencia. El titular del mismo es un juego de palabras que hace más referencia a la omnipresencia de la política en nuestras vidas que al parentesco.
Coreografía y Música Hofesh Shechter
Bailarines: Berthelot Maëva, Winifred Burnet-Smith, Chang Chien-Ming, Cowie Katherine, James Finnemore, Bruno Karim Guillore, Hulford Felipe, Jason Jacobs, Sita Ostheimer, Ana Pastor
Músicos: José Ashwin (guitarra), Yaron Engler (batería, bendir), Joel Harries (guitarra, batería), Eduardo Hoare (guitarra, batería), Norman Jankowski (batería, pandeiro), Keane, James (batería), Vincenzo Lamagna (guitarra), Maddick Andrew (guitarra)
Banda sonora:Allan Christopher (violonchelo), Allan Rebeca (Viola), Laura Anstee (chelo), Nell Catchpole (Viola), Tim Harries (Contrabajo), Maddick Andrew (Viola), West Kai (Contrabajo)
Diseño de Vestuario: Merle Hensel
Diseño de Sonido: Tony abedul
Duración: 1 h.10m
LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA
SÁBADO 7 Y DOMINGO 8 DE MAYO. 8 TARDE
Espert es la única actriz sobre el escenario, con un papel cambiante en el que comienza interpretándose a ella misma, continúa como narradora y acaba dando vida a los personajes de Tarquinio, el violador; Lucrecia, la violada, y el marido de ésta. “La violación de Lucrecia” es un poema narrativo basado en la leyenda sobre el origen de la república en Roma, la segunda de las obras poéticas conservadas del autor, anterior a sus grandes tragedias. No es Hamlet, Otelo o Macbeth, pero ya muestra un texto deslumbrante, de construcción austera pero plagado de asombrosas comparaciones, magníficas metáforas, y erudita sabiduría producto de concienzudos estudios y gran capacidad de observación. En este texto está el gran Shakespeare, quizás la conciencia más aguda que ha reflexionado sobre la compleja naturaleza humana.
EL ARGUMENTO
Lucio Tarquinio el Soberbio fue el séptimo y último rey de Roma. Fue destronado y expulsado de Roma junto con toda su familia a raíz de la fechoría cometida por su hijo Sexto Tarquinio contra Lucrecia, la dulce y casta esposa de su primo Colatino. Tentado por las imprudentes confidencias del orgulloso esposo, el malvado Sexto visita a Lucrecia y la posee con violencia y engaño. Presa de la mayor desesperación por lo sucedido, Lucrecia manda llamar a su marido y tras confesar lo sucedido se mata de una puñalada en el corazón. Los fieles a Colatino organizan una revuelta que derroca la dinastía y proclama la República en el año 509 a. C.. Ya no habrá más reyes en Roma. En su lugar fueron elegidos para gobernar los pretores, que más tarde fueron llamados cónsules. Es el camino hacia la República romana. 'Delenda est monarchia'... hace 2.500 años.
LA GRAN DAMA DE LA ESCENA ESPAÑOLA
Un repaso a la carrera de Nuria Espert es una lección de historia viva del teatro español, no sólo por su longevidad sobre las tablas -más de 60 años-, sino por las obras, papeles y compañeros que le han acompañado de éxito en éxito. Núria Espert es la gran dama de la escena española, pero también una mujer arrolladora y única, que se ha permitido tomar grandes riesgos con obras y papeles sólo por el desafío de interpretarlos. En sus memorias, “De aire y fuego”, escritas con el crítico teatral Marcos Ordóñez, confiesa no tener “facturas pendientes, no llevo ningún peso en el corazón”. Su biografía es la del teatro español de los últimos 50 años, en los que ha recibido numerosos galardones, como el Nacional de Teatro en 1984, o el Valle-Inclán de 2010. Y es que “la Espert” ha alcanzado el estatus más difícil en una profesión en permanente cambio: el del respeto y el reconocimiento de compañeros y público.
MIGUEL DEL ARCO
Tras el fulgurante triunfo de “La función por hacer” y más tarde de “El proyecto Youkali” (la primera se exhibió en la anterior edición del Festival Teatro Gayare y la segunda se exhibirá en la presente), el director, Miguel del Arco, polifacético artista que se ha empleado como actor, director de varios cortometrajes y obras de teatro y como autor de textos para la televisión, un formato que le debe no pocas series. finalista de los premios Valle Inclán 2010, se embarcó en la atractiva aventura de dirigir a Nuria Espert en un espectáculo que muestra lo más arriesgado de su ya señalada capacidad interpretativa. La escenografía, diseñada por el Ikerne Giménez (Premio Max) representa la habitación de Lucrecia desde la más inquietante sobriedad mientras que el espacio sonoro de Sandra Vicente se revela como un personaje más de la función.
Autor: Williams Shakespeare
Dirección: Miguel del Arco
Traducción: José Luis Rivas Vélez
Interprete: Nuria Espert
Escenografía y Vestuario: Ikerne Giménez
Iluminación: Juanjo Llorens
Creación sonora y diseño: Sandra Vicente (Estudio 340)
Una producción de Juanjo Seoane
Duración: 1h. 30 min
LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA
JUEVES 5 DE MAYO. 8 TARDEARRANCA EL FESTIVAL TEATRO GAYARRE
Ballet du capitole de Toulouse
“La Consagración de la Primavera” es una de las obras que marcaron los caminos de la estética musical del siglo XX, un canto a la primavera y a su poder creativo que conceden a esta pieza una presencia constante en las diferentes ediciones del FESTIVAL TEATRO GAYARRE. Al igual que el rito que consagra esta partitura de Stravinsky, el Festival Teatro Gayarre lleva a escena cada año la propuesta de un coreógrafo distinto. La primera edición la abrió la canadiense Marie Chouinard y a ella le siguieron el chino-americano Shen Wie, el africano Heddy Maalen, el finlandés Teo Saarinendel y el coreógrafo de Costa de Marfil Georges Momboye. En la presente ediciónllega de la mano del Ballet du Capitole francés con coreografía del argentino Mauricio Wainrot.
El estreno en París en 1913 de La consagración de la primavera suscitó el mayor escándalo de la historia en la ejecución de una obra musical. Desde el primer compás de la introducción empezaron a oírse entre el público expresiones de desaprobación. Las protestas aumentaron cuando se levantó el telón y apareció el decorado del pintor Nicolás Rörich. Más tarde la orquesta fue ahogada por un furibundo griterío de protestas. La condesa de Pourtalés, célebre en los medios teatrales más importantes de París, abandonó ostentosamente el teatro, diciendo que, a sus sesenta años, no estaba dispuesta a que nadie le tomara el pelo. Los compositores Camilo Saint Saëns y Theodor Dubois, sumos pontífices de la música francesa, expresaron su repulsa en voz bien alta y clara. Mientras tanto, Ravel gritaba que era una obra genial, Debussy pedía silencio para que pudiera oírse aquella música maravillosa. Indudablemente, la música constituía una tremenda sacudida para los oyentes, pero el escándalo de este estreno no se debió sólo a la música. La atrevida coreografía de Nijinsky y el vestuario excesivamente liviano de los bailarines resultaron ser demasiado provocativos para la conservadora sociedad parisina del momento. Además la historia, el sacrificio de una doncella obligada a bailar hasta morir, provocó también la indignación de los presentes.
La obra se repuso un año más tarde y fue acogida con una clamorosa ovación. Desde entonces está considerada como una de las composiciones que marca una época nueva en la Historia de la Música.
EL ARGUMENTO
La obra tiene su argumento y se divide en dos partes:
1.- La adoración de la Tierra.- Unos jóvenes rodean a una anciana, que conoce los secretos de la naturaleza y les inicia en sus misterios. Del río llegan unas muchachas, que danzan en círculo. Aparece un cortejo, guiado por un sacerdote santo y sabio, que bendice la tierra. Lentamente todos comienzan a moverse rítmicamente en una danza de adoración a la Tierra.
2.- El sacrificio.- Una de las doncellas es elegida como víctima del sacrificio a la Primavera. Se purifica la tierra a su alrededor y se evoca a los espíritus ancestrales. Los jóvenes danzan y los viejos circundan lentamente el lugar destinado a la danza del sacrificio. La joven víctima es obligada a bailar una danza frenética y salvaje hasta que cae desfallecida y muere.
BALLET DU CAPITOLE
La tradición en danza del Théâtre du Capitole se remonta a su misma creación, hace ya tres siglos. Con la llegada de Nicolas Joel al frente del teatro y el nombramiento en 1994 de Nanette Glushak como directora del ballet, la compañía se abrió a un nuevo repertorio. Nanette Glushak fue bailarina del New York City Ballet y del American Ballet Theatre y ha hecho del Ballet du Capitole una de las mejores compañías clásicas y neoclásicas de Francia, de gran prestigio por su repertorio balanchiniano y neoclásico (Frederick Ashton, Antony Tudor, Agnes de Mille…) y por sus producciones de los grandes clásicos adaptadas a su grupo de 35 bailarines (La Bella Durmiente de Michel Rahn y Nanette Glushak, Cascanueces y El Pájaro de Fuego de Michel Rahn, Cenicienta de Derek Deane, Coppélia de Enrique Martínez, Giselle y Don Quijote de N. Glushak, Roméo y Julieta de John Cranko). También cuenta la compañía con obras de coreógrafos actuales tan distintos como Mauro Bigonzetti, Nils Christe, Nacho Duato, William Forsythe, Jacopo Godani, Jiri Kylian, Thierry Malandain, Hans van Manen, Peter Martins, Benjamin Millepied, Angelin Preljocaj, Uwe Scholz... y su reputación es internacional, realizando a menudo giras por Alemania, Brasil, China, España, Estados Unidos, Holanda, Italia, etc..
BALLET DU CAPITOLE
Directora: Nanette Glushak
Maestro asistente coreográfico: Minh Pham
Sinfonía escocesa
Coregografía: George Balanchine
Música : Félix Mendelssohn
Duración : 30m.
La consagración de la primavera
Música : Igor Stravinski
Coreografía : Mauricio Wainrot
Una producción del Théâtre du Capitole
FESTIVAL TEATRO GAYARRE 2011
Consulta toda la programación, informaciones ampliadas de cada espectáculos, imágenes y vídeos en la página web del Festival:www.festivalteatrogayarre.com
TARTUFO
Viernes 8 y sábado 9 de abril. 8 tarde
Autor: Molière
Versión: Mauro Armiño
Dirección: Hernán Gené
Intérpretes: Hernán Gené, José Ángel Egido, Nathalie Seseña, Itziar Miranda
“Molière, considerado el padre de la comedia francesa sigue siendo hasta la fecha el autor más interpretado en los escenarios del mundo. En esta ocasión, con su “Tartufo”, se ha querido rendir homenaje a la estética de los años 20, y es en esa ambientación en la que transcurre la acción de este Tartufo, el hipócrita por antonomasia, cuyo texto, sin embargo, no sufre apenas variaciones sobre el original. Considerado uno de los grandes textos clásicos, “Tartufo”, obra llena de enredos y desencuentros, narra la historia de dos jóvenes que se quieren y desean casarse aún contra la voluntad del padre quien se opone a este matrimonio, por lo que prepara la unión de su hija con otro hombre. Considerada un escándalo en su época, Moliere creó uno de sus personajes más cómicos y famosos, Tartufo, el hipócrita.
LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC CALIENTE
SÁBADO 26 Y DOMINGO 27 DE MARZO. 8 TARDE
Adaptación libre y dirección: Àlex Rigola
Intérpretes: Chantal Aimée, Muntsa Alcañiz, Andreu Benito, Joan Carreras, Ester Cort, Santi Ricart Gooper, Raffel Plana
Cuando en 1955 se estrenó en Broadway la primera versión teatral de “La gata sobre el tejado de zinc caliente”. Tennessee Williams (el autor) y Elia Kazan (el director) repetían colaboración tras haber iniciado su idilio profesional con la adaptación al cine de “Un tranvía llamado deseo”. Sin embargo, sería Mel Brooks quien convirtió a la pareja desdichada y amargada formada por Paul Newman y Elisabeth Taylor en parte fundamental del imaginario sentimental de la época. Medio siglo después, el dramaturgo Àlex Rigola recupera este montaje, presentando un texto crudo y desgarrado que habla sin tapujos de las relaciones humanas. Un retrato de los problemas que tenemos para afrontar y decir la verdad. Why is so hard to talk? (¿Por qué es tan difícil hablar?), pregunta Tenneessee Williams en boca de uno de los personajes.Esta es su obra clave, una genial historia llena sentimientos fuertes entre familiares e inconfesables secretos de familia.
DÍA MUNDIAL DE LA POESÍA
Lunes 21 de marzo. 8 tarde (ENTRADA LIBRE)
EL TEATRO GAYARRE CELEBRA EL DÍA MUNDIAL DE LA POESÍA CON EL ESTRENO DEL ESPECTÁCULO “PARA ENTENDERLO, DÍMELO EN VERSO”
Con motivo de la celebración del DÍA MUNDIAL DE LA POESÍA, el Teatro Gayarre va a estrenar el lunes 21 de marzo el espectáculo de producción propia “PARA ENTENDERNOS, DÍMELO EN VERSO”, una lectura dramatizada de una selección de los poemas más celebrados de la literatura española. El espectáculo, creado y dirigido por la escritora MAITE PÉREZ LARUMBE, cuenta con un elenco formado por los actores IRATXE GARCÍA URIZ y PEDRO IZURA y el cantante CARLOS COLINA. A ellos hay que sumar 8 lectores invitados seleccionados por sorteo entre los miembros del carnet GAYARRE JOVEN que solicitaron su participación en esta función después de que desde el teatro se les invitara a participar.
Esta lectura dramatizada de poemas incluye algunos de los versos más celebrados de la literatura española firmados por Rafael Alberti, Calderón de la Barca, Ángel González, Nicolás Guillén, Saiz de Marco, Antonio Machado, Idea Vilariño, Blanca Varela, Jaime Gil de Biedma, Jorge Luis Borges, Manuel Vilas, Ángel González, Pedro Salinas, Amalia Bautista, José Ángel Valente, María Elena Walsh, Manuel Vicent y Mario Benedetti.
Maite Pérez Larumbe ha contado con un elenco conformado por los actores Iratxe Garía Uriz y Pedro Izura, además del cantante Carlos Colina. Para cerrar este elenco, el Teatro Gayarre ha querido celebrar este Día Mundial de la Poesía invitando a los jóvenes poseedores del carnet GAYARRE JOVEN a dar lectura a alguna de la poesías. De los que solicitaron su participación se eligieron, mediante sorteo a ocho, que serán quienes ese día se subirán al escenario junto al resto del elenco. Estos lectores invitados son: Sergio Asensio, Mayka Ayanz, Juan Camilo García, Roberto López, Silvia Ordóñez, Álvaro Subiés, Beatriz Zabalegui, Paul Zalduendo.
Tal y como asegura la creadora y directora de este espectáculo, Maite Pérez Larumbe, “Estamos atravesando una crisis. Mundial. Económica. También, obviamente, una crisis de valores. En este contexto se insertan las crisis personales a las que nos vemos periódicamente sometidos. Un interesante cóctel y una oportunidad de cambio, adaptación y crecimiento si somos optimistas. La función supone un recorrido por las diferentes etapas de cualquier proceso de pérdida y adaptación a la nueva realidad: la negación, el enfado, la negociación, la depresión y la aceptación, estructurado por los poemas que dan contenido al texto. Sobre el escenario, dos actores, un cantante y un coro de jóvenes lectores articulan un diálogo al que la poesía aporta lucidez”.
FICHA ARTÍSTICA
PARA ENTENDERLO, DÍMELO EN VERSO
Idea, creación y dirección: Maite Pérez Larumbe
Intérpretes: Iratxe García Uriz, Pedro Izura
Cantante: Carlos Colina
Lectores invitados: Sergio Asensio, Mayka Ayanz, Juan Camilo García, Roberto López, Silvia Ordóñez, Álvaro Subiés, Beatriz Zabalegui, Paul Zalduendo
Imagen: Iñigo Etayo
Voces en off: Maritxu San Martín, Mónica Tanco
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